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MATEMOS A LOS VIEJOS UN POQUITO, DE ROGELIO SAN LUIS, EN CREADORES.NET Rogelio San Luis, autor teatral y humorista, publica, en Creadores.net, su farsa trágica de humor negro en un acto y de siete personajes, titulada: “MATEMOS A LOS VIEJOS UN POQUITO”. Presidente militar al pueblo. Se apretarán el cinturón por la crisis. Médico y farmacéutica atienden amablemente. Alberto, un anciano en una silla de ruedas, y Luisa, una anciana que se apoya en unos bastones, son rechazados por médico y farmacéutica. Él quiere matarlo con una escopeta y ella estrangularla. Nicanor, un nonagenario que vive de las mujeres, consigue que le pague el marido por amar a su esposa. Esther, una prostituta centenaria, no se estrena. Habla con Nicanor. Van a quererse en el asilo. Cura y monja les facilitan habitación. Los religiosos irán a otra. Alberto, que lo llamaron su hija y yerno para vivir con ellos, va a su casa. Después de tanto tiempo sin verse, no se conocen. Una fotografía los identificará. Los hijos, que ahora son atracadores, le apuntan con pistolas para que les dé su casa, pensión y ahorros. Él acepta emocionado. Luisa habla, a todas horas, por teléfono con sus amigas. Es viuda y su marido sale del cementerio para estar con ella. Llega una amiga. Se sorprende del muerto y huye. La soledad hizo que le diese vida a su marido. Nicanor y Esther, que sufren su decadencia profesional, recurren a vivir en el asilo. Alberto teme la soledad mientras sus hijos salen a divertirse. En todas las cadenas de la televisión, hay tiros. Uno lo mata. Lo despiertan sus hijos. Quiere volver a su casa. No tiene nada. Protesta, le pegan. Le ponen un collar igual que a un perro. Luisa va a casa de su hijo y nuera. La invitaron por Nochebuena. No la conocen. Se tratan de usted y se comportan como si fuesen madre e hijos. Ponen unos gorros rojos. Comen, beben. Se abrazan y besan felices. Cantan villancicos. Están embriagados. El matrimonio se muestra agresivo por infidelidades. La echan por no ser nada de ellos. Presidente habla. Hay que matar a los viejos por la crisis. Serán considerados héroes. Una calle llevará el nombre de cada uno y tendrán una estatua. Los ancianos se sienten aterrorizados. Desfilan con una escopeta. Rodilla en tierra, disparan. Presidente sale dolorido. Ellos avanzan. Entra un cañón y Presidente con un sable. Dejan caer las armas. Están sucios. Bajan duchas. Presidente es una estatua con el sable y al lado del cañón. Los viejos entran en las duchas. El gas los marea. Caen muertos. Para leer la obra: http://www.portalatino.com/autores/500/viejos.pdf
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DAVID BARBERO ESTRENA EN VARSOVIA SU OBRA La vida imposible de Marilyn
El escritor y periodista David Barbero va a estrenar próximamente su obra teatral ‘La vida imposible de Marilyn’ dentro de la actual temporada del teatro Druga Strefa de Varsovia. El estreno está previsto para finales del mes de mayo con presencia del autor. El texto de David Barbero, que ya recibió en su momento el premio nacional Calderón de la Barca, ha sido seleccionado por este teatro polaco entre diversas propuestas internacionales con ocasión de celebrarse en la actualidad los cincuenta años de la muerte, en extrañas circunstancias, de la actriz norteamericana Marilyn Monroe. El director de la puesta en escena es Sylwester Biraga, que es a su vez el director artístico del Teatro Druga Strefa. El texto ha sido traducido por Tubi Birden. Las protagonistas de la obra son miembros de la compañía estable titular de este mismo teatro. También pertenecen a esta compañía permanente el resto del equipo artístico y técnico que está tomando parte en los ensayos que ya se realiza en la sala de este teatro. El teatro ‘Druga Strefa’ de la capital polaca tiene un carácter independiente y está dirigido y gerencialmente por un equipo fijo de profesionales, lo que les permite actuar con una mayor autonomía y no tener ataduras administrativas. CONFLICTO DE IDENTIDAD "La vida imposible de Marilyn" toma como argumento determinados acontecimientos de la vida de la actriz norteamericana Marilyn Monroe y su madre con el fin de exponer el drama de las personas ante el destino y la enfermedad en la búsqueda de su identidad personal. La historia se va desarrollando en distintos momentos importantes de la vida de ambas, para destacar el condicionamiento mutuo por las duras circunstancias íntimas que ambas tuvieron que pasar a pesar de la apariencia de triunfo que hubo en la vida de la famosa actriz. En la obra, intervienen como protagonistas Marilyn y su madre. Ambas tienen un papel conflictivo y fuerte. La acción evoluciona a lo largo de las décadas de su vida adulta y en sucesivos escenarios que pueden marcarse con efectos de luces, para realizar transiciones muy rápidas.
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Albolote, EN granada, entrega los premios de teatro 'Moreno Arenas' y estrena Esto es lo que hay
El Auditorio Fernando de los Ríos, del Ayuntamiento de Albolote, con motivo del Día Mundial del Teatro ha conseguido poner en marcha, dos importantes actos dentro del mundo de la dramaturgia. De un lado, la entrega de premios de la tercera edición del Certamen “Dramaturgo José Moreno Arenas”; y de otro, el estreno en España, -que se había llevado a cabo el estreno mundial en Portugal, con ocasión del Festival de Vendas Novas-, del último espectáculo teatral de José Moreno Arenas. Marta Nievas, responsable del área de Cultura del Ayuntamiento de Albolote, y Diputada provincial de Turismo, resaltó la importante trayectoria del autor de la localidad. Por sus parte, tanto Antonio Sánchez Trigueros, catedrático de literatura de la Universidad de Granada, y miembro del Jurado, como Juan José Montijano Ruiz, prologuista del libro que recoge las obras premiadas, elogiaron la calidad de los textos que se han hecho merecedores del galardón. En esta ocasión le ha correspondido en la modalidad de Teatro Breve a Antonio Salas Tejada (Montilla, 1964) con la obra “Un soplo de viento”. En la modalidad de “Teatro Mínimo” a Domingo López Humanes (Sanlúcar de Barrameda, 1967), con la obra “El Parapoco”. Los grupos de teatro el Torreón (Albolote) y Alimoje (Alfacar) realizaron las lecturas dramatizadas de las piezas ganadoras, cuyo buen hacer fue largamente aplaudido por el público. El certamen de teatro de Albolote, al igual que en años anteriores, ha contado con dos accésits para ambas modalidades: por una parte, “El encuentro”, del conocido y laureado escritor giennense, aunque afincado en la capital malagueña, Francisco Morales Lomas; y “La factoría”, del venezolano, pero residente en la isla canaria de La Palma, Miguel Ángel Ortega Machín, en Teatro Breve. Por otra parte, y en la especialidad de Teatro Mínimo, los accésits han sido para las obras “¡Máteme, por favor!”, de Josep Navarro i Salvador, y “Sobreviviré”, de Stella Manaut, ambos valencianos.
“Esto es lo que hay” Tras la convocatoria de la cuarta edición y posterior clausura del acto de la entrega de premios, el grupo granadino Teatre’ves Teatro puso en escena, con dirección de Carmen Ruiz-Mingorance, el espectáculo “Esto es lo que hay”, creado a partir de catorce “pulgas dramáticas” de José Moreno Arenas. En palabras del profesor Juan José Montijano Ruiz, “no es la historia de un personaje; es la historia –si puede decirse así– de un bar. No es sino la sucesión de acontecimientos que tienen por escenario la atmósfera de un bar cualquiera de una ciudad cualquiera de un país cualquiera; es la historia del encuentro del ser humano con su semejante; es la colisión de distintas visiones de las realidades de quienes “habitan” el bar; es el enfrentamiento en estado puro; es el universo que nos rodea; es, en definitiva, el mundo que nos hemos dado o –según el color del cristal con que se mira– la vida misma. De ahí que haya, a un tiempo, conflicto múltiple y conflicto simple: aquél, el habido en las diversas ocasiones propiciadas por el establecimiento público; éste, la guerra de miserias del ser humano trasladadas a un mundo convertido en el verdadero personaje de la obra, que nos retrata sus vicios, el concepto de mito, el sentimiento de vergüenza por un origen humilde, la manipulación de los medios de comunicación, la hipocresía, etc.”.
abajo, INFORMACIÓN GRÁFICA
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“Extraño anuncio” en Adolfo Marsillach, Teatro completo Por Magda Ruggeri “Extraño anuncio” en Adolfo Marsillach, Teatro completo, edición e introducción de Pedro M.Víllora prólogos de Luis María Ansón y Mercedes Lezcano, ed. AAT, Madrid, 2003, pp.451-504.
Con ocasión del estreno de Extraño anuncio, dirigido por Mercedes Lezcano en el Teatro Valle Inclán, hemos revisitado el interesante texto, escrito en 1992 pero todavía actual. Se trata de una pieza inquietante, singular, donde realidad y sueño se confunden y en ese sentido bebe de Calderón, Pirandello y Buero Vallejo. El suspense se mezcla con el absurdo, y el humor, como en Jardiel Poncela, surge como reacción a unos personajes y situaciones desconcertantes. El mismo autor lo definía «un juego» en el que se investiga sobre la extraña naturaleza de la realidad y del tiempo, donde Marsillach, sin duda enterado de las lecciones de la física moderna, mezcla los planos temporales y los ámbitos de percepción. La acción comienza cuando un hombre anciano recibe la visita inesperada de una chica que trae un periódico en que se anuncia la disponibilidad del piso, e incluso la dueña de la casa le había especificado por teléfono que se ponía en alquiler, porque su marido había muerto hacía un mes. A partir de ahí se suceden situaciones sorprendentes y extrañas con final abierto a la imaginación del espectador. Pronto se percibe que se trata de una pesadilla del protagonista. La mujer vive su propio sueño, pero el lector repara en que ambos comparten elementos comunes de presunta realidad objetiva, tales como el anuncio del periódico y la llegada de los mozos de la mudanza. El novedoso planteamiento va más allá de los tradicionales juegos del relativismo temporal, de referencia einsteniana, y alude a conceptos de la teoría cuántica: así se concede sustantividad a la coexistencia de estados clásicamente incompatibles como los de vivo y muerto (paradoja del “gato de Schrödinger”), o bien espacios oníricos personales en principio independientes, como los del marido y la mujer, cada uno dotado de su peculiar e irreal coherencia interna, aparecen ligados a través de hechos comunes que también observa el espectador. No en vano el «entrelazamiento» (entanglement) «es el rasgo característico de la mecánica cuántica, aquel que impone su total separación de las líneas clásicas de pensamiento» (Erwin Schrödinger, 1935), en palabras de uno de los fundadores de la teoría. Se trasciende el clásico dualismo o contraposición vida (sinónimo de “realidad objetiva”) – sueño, tradicionalmente adscrito a la esfera individual, para involucrar ahora simultáneamente a más de un sujeto. Aquí ya ni siquiera el espectador es referente de una presunta realidad objetiva externa. Como hombre de teatro que siempre ha sido, Marsillach resuelve buena parte de de la puesta en escena con las detalladas acotaciones que describen a los personajes, sus estados de ánimo y sensaciones, así como la escenografía. Tampoco descuida el espacio sonoro, y para los momentos más significativos precisa: «Concierto para piano n.21 en Do mayor». La obra demanda al lector un importante esfuerzo de concentración para intentar extraer del entrecruzamiento de planos temporales y causales un hilo lógico de los eventos, pero la tarea se ve amenizada por los diálogos y las situaciones inteligentes e hilarantes.
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ROGELIO SAN LUIS GANADOR, CON DOS OBRAS, EN LA REPÚBLICA DOMINICANA
Rogelio San Luis, autor teatral y humorista, resultó ganador en el VI Festival Teatral de Santiago (República Dominicana), reconocido por la O.E.I. como una de las Experiencias Educativas y Artísticas más sobresalientes en Latinoamérica, con su tragedia poética en un acto “OLAS, PALABRAS DEL MAR” y su farsa breve de humor crítico “UNA CAMA EN EL JARDÍN”. La primera es el mar entre dos continentes. En una playa está un viejo pianista desolado y en la otra una joven frustrada. El Coro de Olas de chicas es monólogo, diálogo con los personajes, expresión corporal y silencio. Nace el amor. Envío de alianzas, bailan, pescan carne y otros alimentos, ballet sobre las aguas en un sueño, moisés con un niño. Muere. Entierro en cada playa. Van a buscarse y perecen. La segunda es una pareja de marginados. Dejaron la ciudad y viven en el jardín. Traen una cama para dormir en él. Un poderoso lo compra y expulsa a todos. Voces de una gran manifestación. Juegan al golf y cada uno hace de caddie. Se rebelan. Sus palos, en un cruel juego de golf, lo matarán en el último hoyo. Traen la cama. Duermen. Despiertan. Nadie podrá privatizar la primavera. Trino de pájaros. “Olas, palabras del mar”, que se la solicitaron al autor por ser el tema de este año Hombre y Naturaleza, se estrenó en el teatro del Instituto Politécnico Femenino de Nuestra Señora de la Esperanza y “Una cama en el jardín” en el teatro del Colegio La Salle dentro del primer Concurso Internacional de Dramaturgia Breve. Al ser ambas ganadoras, se representaron en el Gran Teatro del Cibao con un gran éxito. El creador de “Una cama en el jardín” es considerado el mejor Autor Original y sus protagonistas la mejor actriz y actor. El texto se publicará en una Antología Internacional de Teatro Breve en el que figurarán autores dominicanos, cubanos, brasileños, argentinos y españoles. Finalmente, las obras harán la Ruta de los Municipios de la ciudad de Santiago y otros lugares.
Estas obras pueden leerse en
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DOS OBRAS DE RAIMUNDO FRANCÉS SE REPRESENTARON EN SANTA MARTA DE BARROS (BADAJOZ)
El grupo teatral Cinco Voces de Santa Marta de los Barros (Badajoz) volvió a los escenarios con un elenco más amplio, pero con las mismas ganas de hacer disfrutar al público santamartense. Dentro del programa de actos de la Semana de la Mujer, presentaron sus últimas obras, como son “Una boda es un coñazo” y “Bajunillas de la Sierra”, ambas de Raimundo Francés. La primera representación fue el martes 6 de marzo y la segunda el miércoles 7, en la Universidad Popular Luis González González. El aforo estuvo completo y los aplausos resonaron con fuerza dentro del auditorio. Ambas obras tienen un claro carácter cómico y humorístico, puesto que como expresó Belinda Gamero, directora, el objetivo es entretener y hacer pasar un buen rato, ya que para las preocupaciones tenemos todos los días. Las obras son costumbristas y desde el humor, critican algunas convenciones sociales, como la parafernalia que gira en torno a las bodas, en el caso de Una boda es un coñazo, y del clasismo en el de Bajunillas de la Sierra. El grupo Cinco Voces tiene la intención de volver a representar las obras en primavera, para que todos aquellos que se han quedado sin verlas, tengan la oportunidad de disfrutar de un buen rato de teatro.
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LA NATURALEZA NOS COBRA IMPUESTO DE LUJO, DE ROGELIO SAN LUIS, EN CREADORES.NET Rogelio San Luis, autor teatral y humorista, publica, en Creadores.net, su farsa en un acto y de cinco personajes, titulada: “LA NATURALEZA NOS COBRA IMPUESTO DE LUJO”. Espacios escénicos: Jardín, calle, balcones, playa, mar. Ignacio, treinta años, en su balcón. Gritos de vecinos. Pasea por la calle, va al jardín. Paula, veinte años; se conocen. Respiran. Ernesto, cincuenta años y guardián, los saluda. Ellos se abrazan. Aurelio, cincuenta años y autoridad. Mercedes, cuarenta años y su esposa. Guardián pega a los jóvenes por inmorales. Reaccionan. Ignacio pinta un cuadro del mar y Paula recita poemas por la calle. En los balcones. Ernesto con prismáticos. Aurelio y Mercedes ven su mar. Ignacio preocupado. Música de violín. Lo toca ella. Calle. Ella toca y el fotografía. Aurelio y Mercedes lo prohíben. Ruidos absurdos de coches. La pareja joven huye. Playa, se bañan. Mayores los acusan. Ignacio ve el amanecer en el jardín y Paula en la playa. No es de ellos. Aurelio y Mercedes los amenazan con una pistola. Ignacio pasea por la calle. No puede hacerlo. Paula desfila como una modelo. Se transforma en la belleza. La privatizan y esposan. Cierran el jardín. Ignacio, de etiqueta, paga por pasar el día en él. Le sirven comida. Aurelio y Paula. Ella no lo conoce. Mercedes, de grotesca vampiresa, baila con Ignacio y Aurelio con Paula. Ignacio se sobrepasa y lo expulsan. La belleza es violada por Aurelio. Ernesto le cobra a Ignacio por ver el mar desde el balcón de la autoridad. Ignacio se apoya en dos muletas. Se atrofiaron sus piernas. Le paga a Mercedes por caminar. Lo hace; se cae. Ignacio le paga a Aurelio por ver una puesta de Sol. Llega la belleza. Entra en el precio. Se abrazan. Aurelio los anima. Quedan como dos estatuas. Luz del día. Recobran vida. Creen que es un sueño. La autoridad quiere a la prostituta de todos. Discuten. La estrangula. El joven pone las manos en el cuello del poder y salen. Paula vuelve a estar viva y se levanta. Entra Ignacio. ¿Están vivos o interpretan la ficción? La autoridad inaugura Avenida de don Aurelio. Llega el progreso. Ruido de máquinas. Los escenarios están destruidos. La Tierra será el anhelo celestial. Ignacio y Paula rodeados de rascacielos. Ha desaparecido lo bello. Se desnudan y visten pieles prehistóricas. Han regresado a esa época. Los salvará el amor. Los edificios los oprimen. La derrota en una página de la historia. Precisan aire. Mueren. Para acceder al texto: http://www.portalatino.com/autores/500/rogeliosanluis_lanaturaleza.pdf
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UNA CAMA EN EL JARDÍN, DE ROGELIO SAN LUIS, ELEGIDA EN EL CONCURSO INTERNACIONAL DRAMATURGIA BREVE EN LA REPÚBLICA DOMINICANA La farsa de humor crítico en un acto y tres personajes, titulada: "UNA CAMA EN EL JARDÍN", del autor teatral y humorista Rogelio San Luis ha sido elegida para estrenar en el Concurso Internacional Dramaturgia Breve en la República Dominicana. Las representaciones serán durante un año y se publicará el libro de Antología de los textos. En este festival, reconocido por la O.E.I., Organización de Estados Latinoamericanos, y el Ministerio de Educación de la República Dominicana como una de las Experiencias Educativas y Artísticas más sobresalientes en el país y Latinoamérica, también llevará a escena, por ser el tema de este año Humanidad y Naturaleza, la tragedia poética de este autor en un acto de dos personajes y Coro de Olas, titulada: "OLAS, PALABRAS DEL MAR" y que le fue solicitada.
Para leer en Creadores.net UNA CAMA
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presentación del libro TEATRO ESCOGIDO de ANTONIO MARTÍNEZ BALLESTEROS
El pasado lunes 23 de enero de 2012 se presentó en la Sala Manuel de Falla, de la Sociedad General de Autores y Editores (Madrid) el libro TEATRO ESCOGIDO de ANTONIO MARTÍNEZ BALLESTEROS, editado por a Asociación de Autores de Teatro. En el acto intervinieron Domingo Miras, autor teatrales y vicepresidente de la AAT; Jerónimo López Mozo, autor teatral, Adelardo Méndez Moya, autor y estudioso teatral, coordinador e introductor del libro; y el propio autor, Antonio Martínez Ballesteros. Estaba prevista la intervención de José Monleón, autor, crítico, estudioso y director de la revista Primer Acto, que ha prologado el libro que se presentaba, pero problemas de última hora impidieron su asistencia, por lo que envió un texto que fue leído pro el autor teatral Ignacio Amestoy.
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Gaviotas subterráneas, de Alfonso vallejo, en Madrid y Bulgaria
El Jueves 29 de diciembre de 2011, a las 7 de la tarde el Grupo Zascandil estrenó en el Centro Cultural San Juan Bautista de Madrid, calle San Nemesio, "Gaviotas subterráneas", de Alfonso Vallejo. Asimismo, en marzo de 2011, esta obra de Alfinso Vallejo fue representada en el Teatro Dramático en Plovdiv, en Bulgaria. Es de destacar que GAVIOTA SUBTERRÁNEAS ya ha sido representada en Nürnberg (Alemania) en el Festival de Avignon (Francia), Barcelona (España) y otras ciudades. Sinopsis de la obra: Dos amigos, Mario y Nino, se encuentran después de largo tiempo. Se citan en una casa abandonada desde la que Mario ha planeado utilizar el cadáver de un hombre a punto de fallecer para simular un accidente y cobrar un seguro de vida. El enfrentamiento entre los dos viejos amigos provoca un desenlace inesperado. Para más información sobre la represtación el Bulgaria pulsa en el enlace de abajo: http://www.facebook.com/media/set/?set=a.234250583258905.81854.233993223284641&type=3 Para más información sobre Alfonso Vallejo: www.alfonsovallejo.com
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UNA CAMA EN EL JARDÍN, DE ROGELIO SAN LUIS, EN CREADORES.NET Rogelio San Luis, autor teatral y humorista, publica, en Creadores.net, su farsa breve de humor crítico en un acto y de tres personajes, titulada: “UNA CAMA EN EL JARDÍN”.
Hermoso jardín. Árboles. Bancos en los laterales. Mañana de verano. Trino de pájaros. Entra Julio. Alegre. Treinta y cinco años. Viste humilde. Mochila al hombro. Ha llegado el verano. El invierno es muy duro para los que viven en la calle. Ha preferido venir al jardín. Entra Elena. Treinta y cuatro años. Guapa y atractiva. Viste humilde. Mochila al hombro. Se saludan, beben, fuman. Víctimas de la droga. Se hacen pareja. Ríen. Lo eran desde hace dos años. Viven en el jardín. Diálogo como ricos. Piden limosna a seres imaginarios en los bancos. Entra Lorenzo. Sesenta años. Elegante, presuntuoso. Lujoso bastón. Le extienden las palmas de sus manos para una moneda. Firmarán por si les toca la lotería y tendrán que devolverlas con intereses. Se las da. Destello de flash inmortalizará la fotografía para la prensa. Sale. Beben y comen bocadillos. Juego lujurioso con el hambre. Cesa el trino de pájaros. Baja la luz. Noche. Duermen en el verde. Sueñan. Un casino. La ruleta va a parar en el número que apostaron. Lorenzo los despierta. No pueden pisar el verde. Se rebelan. El jardín es público. Lo acaba de comprar al Estado. Mutis. Tienen frío. Invierno. Duermen sobre un banco, se tapan con mantas. Sueñan quedarse. Lorenzo expulsa a todos. Cesa el trino de los pájaros. Voces. Protesta privatización. Pide a los pájaros que canten para él. Sale. Noche. Silencio de los pájaros. Ella en camisón y él en pijama empujan una elegante cama. Se acuestan. Van a amarse. No saben hacerlo en ella. Duermen. Sueñan la expulsión. Lorenzo los despierta y echa. Mutis con la cama. Trino de pájaros. Primavera. Lorenzo con una pequeña pelota. Su Tierra. La pareja viste como al principio. Son un caddie. Carritos con los palos de golf. Lorenzo va haciendo los dieciocho hoyos. Aplauden. Guarda la pelota. Deja el palo. Les va a pagar. La pareja con un palo. Lorenzo se aterroriza. Le dan con el palo y cae al suelo. Van haciendo hoyos con su cuerpo. Gran dolor. Suplica. Muere. Callan los pájaros. Baja la luz. Último hoyo. Desaparece. Mutis de la pareja. Entran. Visten igual. Empujan la cama. Se acuestan y duermen. Crece la luz. Despiertan. Se besan. Se sientan en la cama. Han conquistado su ser libre en la naturaleza. ¡Nunca se privatizará la primavera! Trino de pájaros. Para leer el texto: http://www.portalatino.com/autores/500/unacamaeneljardin.pdf
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JUAN GARCÍA LARRONDO ADAPTA EL ESTADO DE SITIO DE ALBERT CAMUS PARA EL CENTRO ANDALUZ DE TEATRO
El dramaturgo gaditano Juan García Larrondo se ha encargado de realizar la adaptación literaria del texto ESTADO DE SITIO, del nobel francés Albert Camus que, en colaboración con el Consorcio para la Conmemoración del II Centenario de la Constitución de 1812 y el Servicio de Cooperación y Acción Cultural de la Embajada de Francia en España, estará de gira por toda Andalucía y otras comunidades autónomas después de su estreno en Cádiz, dentro de los actos conmemorativos del Bicentenario de “La Pepa”. [La primera Carta Magna Liberal de Europa cumplirá doscientos años el 19 de marzo de 2012] La obra, que contará con la dirección de José LuIs Castro y música original de Antonio Meliveo es uno de los espectáculos más ambiciosos para la presente temporada del Centro Andaluz de Teatro. “El estado de sitio”, escrita y estrenada por primera vez en 1948 es, sin duda, una de las cimas literarias de Albert Camus –explica Juan García Larrondo-. En ella, el genial filósofo, novelista, dramaturgo y ensayista francés, quiso imaginar y hacer inteligible el mito de la Peste para los espectadores de su época. Y eso es precisamente lo que nosotros también hemos intentado. Camus quiso alejar su obra de la estructura teatral tradicional y concibió el espectáculo con la ambición de mezclar en él todas las formas de expresión dramática hasta entonces conocidas. Mi aportación a la recreación actual ha pretendido respetar al máximo esos anhelos, especialmente en el aspecto literario, dejando que las palabras de Camus se apareasen con las mías hasta crear un estilo y un acento que pudieran seguir siendo comprensibles para los oídos de nuestra época. Al final, espero haber pasado desapercibido y haber logrado estar a la altura de su voz, de su mensaje y de su obra. En cualquier caso, semejante encuentro no habría podido darse sin la existencia de un acervo compartido y de un lugar común. Un lugar mítico pero también necesariamente físico: Cádiz. No es azaroso que Camus eligiera esta ciudad-estado atemporal, atávica, casi épica, para ubicar su drama dentro de sus terribles fortalezas. Cádiz: tantas veces asediada, muerta y resucitada hasta ser más eterna que la misma Roma. Es obvio que Camus escogió esta isla vulnerable a todas las pandemias de manera deliberada. Su vinculación afectiva con España, su repulsa a la tiranía franquista y sus conocimientos sobre nuestra literatura tampoco debieron ser factores ajenos a esta decisión tan “escenográfica”. Camus, hombre mediterráneo al fin y al cabo, conoce que el mar es puerta de llegada y término de numerosos viajes. Y sabe que Cádiz, por su particularidad geográfica, es un escenario idóneo para el peor de los asedios: la isla se transforma en cárcel sitiada por la Peste y, de este modo, en el hábitat apropiado para que se propaguen sus miasmas y causen un dramático desenlace entre sus habitantes. Mas información sobre el autor: http://elandreion.blogspot.com/
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HOMENAJE A LOS AUTORES DE LA “GENERACIÓN BRADOMÍN” Tras cumplirse 25 años de la primera convocatoria del prestigioso Premio de Teatro “Marqués de Bradomín”, la compañía Diáfano Producciones, con dirección de José Luís Mira, ha querido rendir un homenaje a algunos de los autores ganadores del premio confeccionando el espectáculo “El corazón hecho un lío” a partir de fragmentos de obras como “Mariquita aparece ahogada en una cesta” de Juan García Larrondo, “Umbral” de Francisco Zarzoso, “O13 varios: informe prisión” de Rafael González y Paco Sanguino y “Dedos” de Borja Ortiz de Gondra. La obra, que gira en torno a los conflictos del amor y del desamor, se ha estrenado con gran éxito en el Teatro Echegaray de Málaga y ha sido también representada en Bulgaria y en la XIX Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos de Alicante.
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Presentación del libro Apología del amor, V Premio El Espectáculo Teatral
Apología del amor, obra teatral por la que la dramaturga madrileña Juana Escabias obtuvo el V Premio el Espectáculo Teatral, fue presentada al público el 15 de diciembre de 2011. La obra, que desarrolla el encuentro de una noche entre una prostituta y un cliente, se alzó con el galardón compitiendo con casi un centenar de obras de dramaturgos de diversos países de habla hispana. El texto ha sido publicado ahora en Ediciones Irreverentes, coorganizador del certamen. Apología del amor ha recibido una buena acogida por parte de la crítica, que ha destacado la fuerza del texto y su facilidad para atrapar al lector-espectador. Juan Ignacio García Garzón, su prologuista, ha destacado a ese respecto lo siguiente: “Trenza Juan Escabias una desasosegante situación que desarrolla con urgente temperatura de thriller, un juego cruel de intimidación y sumisión erizado de incertidumbre y sembrado de giros inesperados que mantienen la atención en vilo y el ánimo sobrecogido, como si uno estuviera sometido al vértigo de una montaña rusa cuyo itinerario no adivina y cuyo final teme. Es un formidable ejercicio de escritura, descarnado y certero, rezumante de violencia larvada y pasión, que merece el mejor de los elogios para un texto teatral: cuando uno lo lee siente irrefrenables deseos de verlo sobre un escenario”.
Javier Villán, que apadrinó junto a Garzón la presentación del libro, ha dicho por su parte que “toda la obra está llena de sorpresas, graduadas con sabiduría y verosimilitud, colocadas en su momento justo. Eso requiere un dominio exacto de la estructura teatral y del ritmo interno de los personajes. Suscribo la opinión que sobre Apología del amor vierte en el prólogo de la misma Juan Ignacio García Garzón: el irrefrenable deseo de verla sobre un escenario. Lo que quiere decir que Juana Escabias ha conseguido algo muy difícil; convertir en palabra dramática su palabra literaria rotunda, bella y provocadora”. La presentación de Apología del amor, se celebró en la sala Manuel de Falla de la SGAE, y estuvo acompañada de una lectura dramatizada de un fragmento del texto, que corrió a cargo de Adriana González Borgas y Jesús Meneses, con la colaboración de Santiago Ruiz Omeñaca. En el acto estuvieron presentes numerosas personalidades del mundo del teatro, entre ellos el director Mariano de Paco Serrano y los dramaturgos (por orden alfabético) Eduardo Galán, Jerónimo López Mozo, Carmen Resino o Pedro Manuel Víllora, así como el también dramaturgo y cineasta Rafael Gordon.
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Laura Dolfi, Luis de Góngora. Cómo escribir teatro Editorial Renacimiento, Sevilla, 2011, 330 pp. Por Magda Ruggeri Marchetti
En este 2011, cuando se cumplen los cuatrocientos cincuenta años del nacimiento de Luis de Góngora, la Editorial Renacimiento publica un libro muy novedoso que llena por fin lo que podría considerarse un inexplicable vacío en las investigaciones críticas sobre el poeta cordobés. Se trata de un estudio amplio y exhaustivo que, analizando la producción dramática de Góngora desde diferentes puntos de vista, consigue destacar de manera muy clara sus características y su fundamental objetivo, o sea su intento de proponer un “arte nuevo de hacer comedias” muy diferente del de Lope de Vega. La autora de este importante análisis es Laura Dolfi, una destacada hispanista italiana, a quien se le debe la bella edición comentada del Teatro completo de Góngora publicada por Cátedra, hace ya años, en la conocida colección de “Letras Hispánicas” y también una edición con amplio estudio de las Las firmezas de Isabela, aparecida en Italia en 1983. Dolfi guía al lector en un recorrido sugerente que liga el teatro gongorino a la biografía del autor (viajes, vida cotidiana, costumbres cortesanas, etc.) y a sus lecturas, españolas e italianas: desde Gaspar de Aguilar al mismo Lope de Vega, desde Ludovico Ariosto a Torquato Tasso. De la misma manera, analiza su estilo y aisla las frecuentes referencias mitológicas o bíblicas demostrando su constante coherencia (por analogía o por contraste) con el tema tratado. Igualmente interesante nos parece el enfoque que Dolfi ofrece de la personalidad insólita de los protagonistas (unas cazadoras desdeñosas, unos mercaderes, y un médico embustero que actúa de alcahuete) así como su énfasis en subrayar que Góngora nunca se olvidó de su público, y esto a pesar de que quisiera escribir y escribiera, un teatro ‘sublime’: por su estilo más complejo y por su contenido a menudo extremado. Si en efecto el breve fragmento de la juvenil Comedia venatoria (1582-86) o los dos actos de El doctor Carlino (1613), y precisamente por haber quedado interrumpidos, son textos inevitablemente condenados a la simple lectura, el de Las firmezas de Isabela (1610) se ajusta bien a las exigencias del escenario, siendo una típica comedia de enredo, con sus ficciones, disfraces, mentiras y celos, y con un divertido y dinámico desenlace donde los equívocos se multiplican hasta lo inverosímil. Difícil, pero también divertido, el teatro de Góngora nos proporciona unas inolvidables descripciones de la caza, del paisaje abrupto de Toledo, y de la belleza femenina. El tema del honor, central tanto en El doctor Carlino como en Las firmezas de Isabela llega a sus extremos de descarada profanación y de injustificada obsesión. Éstas y otras muchas observaciones resaltan en este libro, que no dudamos en considerar imprescindible, no sólo para los admiradores de la obra de Góngora, sino incluso para todo aficionado al teatro del Siglo de Oro. Además, esta monografía, que destaca por el rigor de la investigación, la inteligencia de los comentarios, y la claridad de la exposición, la completan dos importantes apéndices. En el primero encontramos unos análisis comparativos que enlazan una escena del teatro de Góngora con la pintura de El Greco, o que estudian la refundición de El doctor Carlino escrita por Antonio de Solís y Rivadeneyra; en el segundo un útil panorama sobre la difusión manuscrita e impresa de las tres comedias analizadas.
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AL NACER, SE HIZO INVISIBLE, DE ROGELIO SAN LUIS, EN CREADORES.NET Rogelio San Luis, autor teatral y humorista, publica en Creadores.net, su farsa en dos actos y de tres personajes, titulada: “AL NACER, SE HIZO INVISIBLE”.
Oscuro. Está Invisible. Va contando su vida.
Tristeza desde la gestación de su madre. Luz. CORTINAS. Hogar hostil. Su
soledad en el mundo que es suyo. Oscuro. Busca la mujer ideal en su
silencio. Luz. Sala de estar. Entra ella y detrás él. No conoce su cara en
el espejo. Entra el marido. No lo ven ni oyen. Matrimonio roto. Les hace
travesuras. Intenta reconciliarlos. Ella espera al marido en el lecho. No
va. Acude Invisible. Ella cambia por la pasión de su marido. Invisible
sonriente. Originales diabluras. Realidad, ficción, muerte del amor. Ella
lo engañó con Invisible. Él se marcha. Ella inventa a Invisible y se
enamora. Hablan. Situaciones imaginativas. Invisible se enamora. Baja la
luz. Ella, víctima de su destrucción, se hace invisible. Son dos sombras
que se buscan. Crece la luz. Son visibles. Dos estatuas. Luz. Emplean la
mímica. Se besan. Van al lecho. Llega el marido. Ella le relata lo
ocurrido. Aparece Invisible. Se ven todos. El marido va a tirarse
asombrado por el balcón. Lo salvan. Ella e Invisible se quieren. El marido
se indigna. Saca una pistola. Los mata. Tiene el cadáver de ella en sus
brazos. Resucitan. No aparece la pistola que guardó. Invisible y ella
hallan las balas en sus cuerpos. Las guardan. Desaparecen. Confusión. El
marido la quiere. Ellos se tutean. Invisible y ella se van a casar. Marido
de padrino. Ceremonia. Juego de alianzas. Viven juntos los tres. Pasan dos
años. Sorpresa en la habitación. Ella e Invisible van a pegarse. El
marido, en el medio, lleva todas las bofetadas. Reconciliación. Invisible
se va. El marido la sigue queriendo. Se abrazan. Llega Invisible. Jugaban
a hacer teatro. Envejecen. El marido se va. Muere el amor en los dos.
Regresa el marido. Es invisible. Suena un vals. Baila con ella. Invisible
la ve bailando sola. Gira fuertemente. Baila con Invisible. Travesuras del
marido. Los lleva al balcón. Van a tirarse. Los salva. Invisible vuelve a
serlo. Ella quiere echar a los dos de casa. No se van. Espera al amor. Va
a llegar. Suena su teléfono móvil. No hay nadie. Van al espejo. No se ven.
Han desaparecido sus imágenes. Sus yos han naufragado entre cristales
rotos. Todo es oscuridad. OSCURO. Sin querer es el fin de la luz. Luz en
el balcón. Se asoman. OSCURO. Gritos desgarrados. Telón.
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UN TEATRO SIN FRONTERAS: ESTO ES LO QUE HAY, DE JOSÉ MORENO ARENAS Por Susana Báez Ayala
El espectáculo teatral Esto es lo que hay, creado a partir de diez pulgas dramáticas del autor granadino José Moreno Arenas, fue estrenado el pasado 5 de noviembre por la compañía Teatre’ves Teatro de Granada, bajo la dirección de Carmen Ruiz-Mingorance, dentro del 6.º Encontro de Teatro Amador de Vendas Novas, en el Auditorio Municipal de dicha localidad portuguesa. Las obras mínimas que cobraron vida en el escenario fueron: La propina, El rifirrafe, La pena, El encuentro, El exhibicionista, El espejo, La cantante, La noticia, Las gafas y La escoba. Ruiz-Mingorance ofreció al público una especie de web, en donde cada uno de los personajes encarnaba la situación límite en la que se halla el ser humano en la vida cotidiana. Cada obra es una especie de pantalla cibernética que se despliega ante la mirada expectante de quienes ocupan la butaca. Ante el espectador surgen fugaces momentos de tensión dramática que se desarrollan en un bar que podría estar localizado en cualquier parte del mundo. Allí deambulan los personajes como imágenes perennes de la soledad, la incomunicación, la corrupción, la inequidad social, la falta de valores éticos, la máscara social, el consumismo, la apatía… que predominan en nuestro flamante siglo XXI. ¿A partir de qué elementos consigue Teatre’ves Teatro comunicar lo anterior, considerando que una de las barreras que aparece de forma natural en esta representación es el idioma? La respuesta no es simple, dado que el teatro se caracteriza precisamente por sus elementos complejos. La directora del espectáculo teatral se apoya en una escenografía mínima (tres mesas de cafetería con sus respectivas sillas de un bar decadente); un manejo de luces que crea la atmósfera anodina y cutre del sitio mediante el encendido y apagado intermitente; además focaliza con un haz cada una de las microhistorias, demarcando no tanto el espacio sino el instante de la representación; las micro-obras se suceden a manera de luces que encienden y apagan constantemente, por lo que el receptor debe mantenerse alerta ante lo que acontece; varias de esas pulgas dramáticas (como las ha definido la crítica por su mordacidad) corresponden al teatro gestual (uno de los sellos de identidad del dramaturgo), por lo que los actores se ven obligados a utilizar al máximo los recursos comunicativos que el cuerpo y la gestualidad les ofrecen; por otra parte, la música permite entrelazar, a manera de collar de perlas, las historias mínimas. El vestuario acentúa o destaca el dilema de los personajes de cada historia. Quizá el manejo de la voz, la matización de la misma debía proyectarse más en algunos de los actores.
De acuerdo con la directora, el propósito de este engarce de pulgas dramáticas es mostrar que en nuestro entorno Esto es lo que hay recrea una situación que nos mantiene a manera de equilibristas; no sabemos si en el escenario los actores se desplomarán o renacerán a manera de Ave Fénix, dado que la mayoría de las obras concluye en una ambigüedad calculada. De ahí la imagen del cartel: un conjunto de botellas vacías que en conjunto dan la idea de vacío. Metáfora de la vida cotidiana actual, en donde la gente se pregunta: “¿Qué quiere decir Esto es lo que hay?”. Puede ser entendido en, al menos, un doble sentido: ¿Hay algo simple o algo más complejo que esto? Así que el interés es decirle al público: “¡Cuidado, señores, esto es lo que hay! ¡Si lo queréis, bien; si no, también!”. Teatre’ves Teatro conoce a fondo estos materiales. La cantante, interpretada por Ruiz-Mingorance, con ese vestido amarillo, sensual, sugerente, llena el escenario hasta en el momento que la mujer se ofrece al espectador sin dentadura, pestañas postizas y rellenos en los senos; Carmen Hernández borda el personaje de la Madre en La pena; mientras que Samuel González Rubio hace lo propio con El camarero y El exhibicionista; Yolanda López, José Díaz-Meco y Mariché Robledillo complementan estas actuaciones en El rifirrafe, La noticia… El trabajo de luz y sonido de Joaquín Blanes y José Díaz-Meco contribuyó en mucho a la comunicación entre el público y el espectáculo. ¿Qué reacción tuvo el público? Comencemos por señalar que el respetable no fue un receptor novato; ello es consecuencia de una razonable y aplaudida pretensión del equipo de gobierno de este sencillo y cálido municipio portugués de Vendas Novas: incentivar la actividad cultural. Su defensa es hacia la gratuidad de los espectáculos y la pertinencia de los horarios, acordes con los fantasmas que amenazan a la representación: el principal, la crisis económica. Los organizadores de este interesante Encontro de Teatro Amador de Vendas Novas nos comentan que decidieron que se iniciaran las funciones a las diez de la noche para no hacerlas coincidir con el horario del fútbol. Cuando se abrieron las puertas del recinto, fue sorprendente cómo en menos de cinco minutos la sala estaba prácticamente llena; llegaban familias enteras a disfrutar del arte teatral: infantes, jóvenes, adultos y personas mayores. Muchos de ellos, seguro, participantes de los talleres de teatro. No quiero dejar de citar la actitud de tres pequeños (entre siete y diez años) que ocuparon las butacas anteriores a la que esto escribe; conforme se les presentaban las historias, reían ante el absurdo de las situaciones y se quedaban silentes ante la inmisericordia del ser humano. Comentaron entre ellos las acciones de violencia y se mantuvieron expectantes hasta el final.
Siguiendo con lo anteriormente expuesto, agradó comprobar el alto conocimiento teatral del público asistente al estreno: un patio de butacas experimentado y, por lo tanto, sin concesiones a la galería. Así pues, no es de extrañar que algunos de los elementos centrales del teatro de Moreno Arenas consiguieran de inmediato la empatía entre lo representado y los espectadores: el humor inteligente (como lo ha denominado Antonio Sánchez Trigueros), la misma brevedad de los textos, el planteamiento de los temas abordados, etc. Cierto es que no es la primera ocasión que en Vendas Novas la “creatividad granadina” tiene presencia: el pasado mes de abril se llevó a las tablas otro espectáculo de José Moreno Arenas: Crime sem castigo, Sr. Dostoievski, bajo la dirección de Rui Dias, responsable no sólo del Grupo de Teatro de Vendas Novas sino también profesor de los talleres municipales de teatro, con tres grupos a su cargo: el de niños, jóvenes y adultos mayores. Entre el público, un espectador de excepción: José Boavida, director de la compañía lisboeta Teatro Mínimo, quien se trasladó a Vendas Novas para presenciar el estreno de Esto es lo que hay junto al dramaturgo granadino, a quien le une una estrecha relación de amistad. Nos confiesa José Boavida que le pinchó el Teatro indigesto de Moreno Arenas, por lo que decidió llevar al escenario Assalto à vista desarmada y Vítima, además de dirigir la lectura dramatizada de O safari, todas ellas con muy buena recepción. No hay necesidad de argumentar más respecto a la capacidad del teatro de José Moreno Arenas para traspasar todo tipo de fronteras: geográficas, culturales, pero sobre todo intelectuales. ¡Enhorabuena!
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Mª Luz Cruz estrenó la comedia 205 HABITACIÓN DE PASO
El pasado día 22 de octubre la autora Mª Luz Cruz estrenó la comedia 205 HABITACIÓN DE PASO en el teatro municipal La Sala de Rubí (Barcelona), interpretada por la compañía EL Desván y dirigida por la propia autora. Tuvo una excelente acogida por parte del público, que a pesar de las casi dos horas que duró la representación les supo a poco. 205 HABITACIÓN DE PASO consta de seis situaciones que se plantean en la habitación 205 de un hotel de cuatro estrellas. Con la ironía como hilo conductor en la habitación 205 se dan cita: desde la pareja que tras tres años de convivencia deciden casarse y la noche de bodas no resulta como se esperaban; los rústicos que arrasan con todo lo que les sale al paso; el novio de una de las camareras un macarrilla que espera vivir del cuento; una mujer aconsejada por su amiga que decide ponerse en las manos de don Bisturí, un cirujano muy avispado; o la cantante de carácter insoportable dominada por una vidente que solo trata de sacarle los duros, y por último, el director de una importante empresa que niega el aumento de sueldo a sus empleados pero no repara en gastos cuando se trata de utilizar los servicios de la prostituta de turno. Estas son las irónicas escenas de 205 Habitación de paso. Sin perder el sentido del humor, estas seis escenas son una crítica de la sociedad en la que actualmente estamos inmersos la mayoría de los seres humanos. En la que la mayor parte de las veces la lógica no va de la mano de la cordura. Contacto con la autora: mluzdramaturga@hotmail.com
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EL ESTORNUDO DE ROGELIO SAN LUIS Rogelio San Luis, autor teatral y humorista, ofrece su apunte de humor en un acto, titulado: “EL ESTORNUDO”. Esta obra breve, que se estaba ensayando para su estreno en Café-Teatro, fue prohibida por la censura en el año 1971. El texto, que obligaron a enviar al Ministerio de Información y Turismo, fue tachado totalmente de rojo. Sólo podría subir a escena el título y una coma con la calificación de 3R (Mayores con reparos). Dos jóvenes ridículos pertenecientes a un estamento religioso. Ella, que viste exageradamente recatada, acude a casa de él, con un ramo de flores, a interesarse por la salud de su santa madre porque acaba de sufrir un fuerte estornudo. Fina y, sin concesiones, crítica al nacionalcatolicismo en una sociedad reprimida e hipócrita. Esta creación, que nos cede su autor, puede leerse en nuestra sección de TEXTOS TEATRALES.
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ESTRENO DE NOCHES DE AMOR EFÍMERO, DE PALOMA PEDRERO, EN EL TEATRO REZNICKA DE PRAGA
NOCHES DE AMOR EFIMERO, de Paloma Pedrero, se estrenó el 8 de octubre de 2011 en el Teatro Reznicka de Praga, con traducción de Sarka Valverde y dirección de Jana Janeková. El Teatro en Reznicka tiene una larga tradición artística y puede calificarse como "gran teatro en un espacio pequeño". Siempre, a lo largo de su existencia, se ha ofrecido prestando asilo a artistas que querían contar/manifestar/dar/entregar algo por encima del marco de la tendencia de su época o simplemente trabajar en equipo buscando formas nuevas en su creación conjunta e independiente y planteando temas urgentes, todo lo que no era posible en los "teatros de piedra". La reconstrucción de las Noches de amor efímero, puesta en escena en 2002 en el Teatro Nacional de Brno, se da a partir de la idea de uno de sus protagonistas de aquel entonces que logra encontrar esa plataforma en Praga. El equipo creador está formado por tres actores que ya habían actuado en la primera puesta en escena, más otras personalidades de Praga y Bratislava, capital de Eslovaquia. La coreógrafa y la artista plástica –autora del vestuario– son compañeras estables de la realizadora y conjuntamente habían trabajado, entre otras, también en Ana el once de marzo (premiada en el Festival de Praga con el Premio de los Espectadores en 2010). Jana Janeková, la directora, ha contado con artista checos y eslovacos, de diferentes experiencias y de diferente edad, incluidos sus estudiantes en la Academia de Artes Musicales en Brno. Ya podemos hablar en la República Checa de todo un "fan club" no oficial de Paloma Pedrero que incluye a estudiantes, actores, artistas plásticos, dramaturgos y otros... los que a lo largo de tantos años ya han participado en las puestas en escena bajo la dirección de Jana Janekova. Y no podemos pasar por alto el constante impulso y apoyo de la traductora y amiga de la autora española, Sarka Valverde. Con entusiasmo volvemos a la obra y las ideas de Paloma que compartimos y que son un reto sin fronteras.
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ELLAS SON MEDIAS NARANJAS, DE ROGELIO SAN LUIS, publicada en Creadores.net Rogelio San Luis, autor teatral y humorista, publica en Creadores.net, su farsa en dos actos y de cuatro personajes, titulada: “ELLAS SON MEDIAS NARANJAS”. Dos escenarios simultáneos, iguales y unidos, de una sala de estar. HOMBRE 1 y HOMBRE 2, que coinciden en la calle, son dos desconocidos que se parecen y visten idénticos. Diálogo absurdo sobre la llegada de la primavera. Pasan juntas MUJER 1 y MUJER 2. Parecidas y vestido igual. Se acerca HOMBRE 1 a MUJER 1 y HOMBRE 2 a MUJER 2. Se hacen parejas. Viven en casa de ellas. A HOMBRE 1 sólo le gusta su belleza y mundo interior y a HOMBRE 2 su atractivo. Situaciones paralelas en ambos escenarios. Días felices. MUJER 1 desea realizarse plenamente y MUJER 2 ser comprendida totalmente. Deciden cambiarlos. Ellos salen de sus trabajos, ponen de noche el despertador. El amor muere. Los echan. MUJER 1 se convierte en una mujer de la cabeza a la cintura y MUJER 2 de la cintura a los pies. Ellos vuelven. Las crearon así como sus medias naranjas. La monotonía los hace agresivos. Se van con sus maletas. HOMBRE 2 acude a casa de MUJER 1 y HOMBRE 1 a la MUJER 2. Diálogos absurdos, portando las maletas. Ellas los admiten en sus hogares. Logran con ellos lo que les faltaba. No ven en ellas el que estén partidas sino el gran complemento. Inmensa felicidad. Las nuevas parejas salen a pasear. Se encuentran y se presentan. La sorpresa es una gran dicha. Siguen así. Ellos hablan de las de antes y las actuales. Duelo con florete. Mueren. Se levantan. Era una crítica ridícula de tiempos pasados. MUJER 1 extraña no ser comprendida por su belleza y mundo interior y MUJER 2 no ser amada. Juegos crueles. Fallece el amor. Ronquidos y dos cadáveres entre las sábanas. Ellos van a agredirlas. Les hacen frente y caen derrotados al suelo. Ellas los dejan. Se ven. Comentan el fracaso con los dos hombres. El futuro es de ellas. Ellos coinciden. Vuelve una nueva primavera. HOMBRE 1 queda dividido de la cabeza a la cintura y HOMBRE 2 de la cintura a los pies. Entran ellas. Ellos son rechazados por sus primeras y segundas parejas. No son medias naranjas sino mujeres libres. Las dos mitades se convierten en MUJER 1. A ellos les gusta. Ella se ríe de los dos. Ellos se convierten en HOMBRE 1. Se aproximan ilusionados. Él dice que la obra ha terminado y ella que falta el beso final. Se abrazan. Música. Telón. Se puede leer desde la siguiente dirección: http://www.portalatino.com/autores/500/rogeliosanluis_ellassonmediasnaranjas.pdf
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TRILOGÍA CLÍNICA: ANOREXIA, LUDOPATÍA Y AGORAFOBIA DE ROGELIO SAN LUIS Rogelio San Luis, autor teatral y humorista, ofrece sus tres farsas trágicas breves, cada una en un acto y de cuatro personajes, titulada: “TRILOGÍA CLÍNICA: ANOREXIA, LUDOPATÍA Y AGORAFOBIA”. La obra, en la que se profundiza en estas tres enfermedades psíquicas, es un constante juego entre lo trágico y humorístico sin dejar de exponer la angustia del ser humano ante una sociedad que lo oprime y anula. Puede representarse como un espectáculo completo o una sola pieza independiente de las otras dos. ANOREXIA se refiere al mundo de la moda; el sueño de la modelo, ante el espejo que la deforma, para cruzar la pasarela. LUDOPATÍA muestra la víctima de un mundo rico que se acaba jugando a sí mismo. AGORAFOBIA es la derrota, entre dos semáforos, de la pareja destruida a cuatro patas como dos coches. Esta creación, que nos cede su autor, puede leerse en nuestra sección de TEXTOS TEATRALES.
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Jerónimo López Mozo, La verdad de los sueños
Por Magda Ruggeri Marchetti
La verdad de los sueños es la primera obra para jóvenes de Jerónimo López Mozo, que afirma no haberse atrevido a aventurarse antes en el género creyendo no estar capacitado para dirigirse a ese público con un lenguaje adecuado. Con esta pieza ha demostrado con creces lo contrario, habiendo sido galardonado con el premio del «V Concurso iberoamericano de dramaturgia infantil y juvenil». En efecto la obra resulta muy atractiva para el gusto juvenil tanto por su estructura fantástica, con saltos espaciales y temporales y movimientos frenéticos de la protagonista a través del patio de butacas, como por el lenguaje rico en apodos y expresiones típicas de los jóvenes. Aunque trate un tema serio, está concebida como una vivencia onírica, con su ambivalencia de ensoñación o pesadilla, que podría recordar a Alicia en el país de las maravillas. Sin embargo es patente la influencia, al menos subliminal, de Calderón y Buero Vallejo, autores muy estimados por López Mozo. Así el título de esta obra recuerda una frase de Aventura en lo gris: «en el sueño es donde tocamos nuestro fondo más verdadero». Como en Buero, aquí el sueño es parte esencial de la realidad profunda del individuo. El autor en la Nota previa expresa su agradecimiento a Rosa Montero (El negro en “El país” del 17 de mayo de 2005) por haberle inspirado la primera escena, pero se puede afirmar que toda la obra trata del problema de la inmigración y del racismo, de los que ya había hablado en otra obra suya, Ahlán, escrita en 1997. En efecto López Mozo siempre se ha opuesto a las fronteras, entendidas como barreras que impiden la libre circulación de las personas, porque considera al ser humano como nómada por naturaleza. Está convencido de que el caso de España, país en el que han convivido varias culturas, el inmigrante por razones económicas siempre ha sido marginado. Hay un racismo que en el pasado ha permanecido latente, pero que se ha hecho muy visible con ocasión de las grandes crisis actuales. Este racismo lo expresa en un primer momento la protagonista, Laura, una joven colegiala que en la primera escena acusa al joven negro de aprovechar su comida, mientras es ella quien por confusión come en el plato del joven. Es racismo el del Profesor que considera peligrosa («territorio comanche») la zona de su escuela porque pulula en ella una creciente población juvenil multirracial que está llegando a ser dominante y teme que acabe imprimiendo su cultura y religión. En cuanto termina sus clases se va a su casa que «afortunadamente» está lejos de aquel lugar. En el fantástico viaje de Laura a la búsqueda de Tamba, el joven al que ha robado la comida, emergen todos los problemas de la inmigración que contemplamos muy frecuentemente en nuestras ciudades. La chica ve a Tamba «vendiendo discos » en la acera y también escapar a la vista de la policía, le encuentra magullado tras sufrir la agresión de un grupo de skinheads y no consigue convencerle para que acuda a un hospital porque sabe que le detendrán para expulsarle del país por estar sin papeles. Para tenerlos tiene que dirigirse a un individuo que se define Gestor y que inmediatamente le pregunta «¿Cuánto estás dispuesto a pagar por los papeles que precisas?» para concluir que «sin trabajo no hay papeles y sin papeles no hay trabajo». En su sueño Laura conversa con varios personajes, con el público y con los tramoyistas que continuamente cambian la escena poniendo comedores, calles, plazas, parques y otras elementos urbanos. Ella misma confiesa tener «un sueño la mar de extraño», pero al final su mensaje no puede ser más claro. No ha conseguido hallar al joven negro a quien quitó la comida, pero en todas partes encuentra a otros como él, se acerca a ellos y les dice «¡hola!» y dirigiéndose al público pregunta «¿Habéis probado a hacerlo?, ¿A qué esperáis?». Nos parece capital esta intervención que cierra la obra y muy adecuada para enseñar a los jóvenes un comportamiento humano y civil. López Mozo es consciente de que el problema de la inmigración es complejo y muy delicado y percibe que muchas veces la mayoría ve al extranjero como a alguien que viene a competir por los pocos puestos de trabajo disponibles. Pero su posición ante el problema está clara: le apena que en España se rechace al inmigrante a pesar de que en el pasado muchos españoles fueron bien acogidos en Latinoamérica, tanto por motivos económicos como políticos, en especial tras la Guerra Civil.
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LA VERDAD SOBRE FLORENCIO SÁNCHEZ Por Jorge Arias
En ocasión del centenario de la muerte de Florencio Sánchez nuestras autoridades culturales organizaron una serie de homenajes, con puestas en escena que revelaron un desconocimiento general de lo que el autor intentó realizar. Quizás el comienzo de esta incomprensión estuvo en unas palabras del crítico Samuel Blixen, que recomendó a Sánchez “Déjese de tesis…de personajes simbólicos, de socialismo y anarquismo en acción… hágase sainetero, pintor exacto de los tipos y costumbres…”. La posteridad recogió y adhirió la etiqueta de “costumbrismo” que no se despegó hasta hoy. Sucedió con Sánchez un fenómeno que explicó Schopenhauer (“El arte de la controversia”): “…la llamada opinión universal es la opinión de dos o tres personas…la gente…supone que… han llegado cuidadosamente a esa convicción. Otras personas, convencidas de que los primeros tenían la capacidad requerida, la aceptan... otros, cuya pereza les sugiere que es mejor creer sin más que… verificar…El resto… es compelido a aceptar lo que ya ha sido universalmente establecido… En este punto, la adhesión es un deber…” Para el examen de la verdadera obra dramática de Florencio Sánchez debió tenerse presente la impar coherencia entre su pensamiento y su obra. Sánchez era anarquista militante, y Daniel Vidal, en su libro “Florencio Sánchez y el anarquismo”, demuestra su fervor revolucionario; pero no le interesó la obra dramática de Sánchez como exposición de tesis anarquistas. Esta consideración, sin embargo, es imprescindible, porque todas las escenificaciones de las piezas de Sánchez que vimos las presentan invertebradas y cojitrancas, si no castradas, y por ello hasta difíciles de entender. Creemos que más de un director se limitó a hacer hablar a los actores, en la esperanza de que Sánchez hablara por sí mismo. Esto es posible, en teoría; pero es imposible en un autor tan discretamente sutil como Sánchez. Nunca muestra sus cartas: tenía como norma no adoctrinar ni catequizar. Su propósito era sugerir, incitar, hacer pensar. Las tesis y normas éticas del anarquismo que aparecen escenificadas en las obras de Florencio Sánchez son las clásicas. Defensa de la vida y de la libertad; necesidad, para alcanzar la libertad, de la autoemancipación, individual y colectiva; negación de toda libertad que provenga del exterior del hombre, con la consecuencia de la necesaria gestión popular y autónoma de la tierra, el comercio y la industria; negación de toda autoridad del Estado y la religión; por ello menosprecio de la ley, jueces, funcionarios y sacerdotes; negación de la autoridad dentro de la familia y por tanto defensa de la mujer, maltratada, inferiorizada y explotada; culto de la educación como medio de desarrollo personal; culto de la verdad y de la coherencia entre conducta e ideas. Los errores que siguen pertenecen a ensayistas, tratadistas, profesores de literatura, críticos de teatro e investigadores. Silenciaremos, por piedad, el nombre de los autores. ________________________________________________________ Uno de los casos de error menos conocidos, pese a la gran difusión de la obra, es “Barranca abajo”, que no es la “…lucha… del hombre acosado por la injusticia, por el egoísmo y por la maldad…” ni trata de “ …la corruptela… de los caudillos lugareños, cuyos manipuleos y sobornos traban a autoridades judiciales y representantes del orden”; no existe el “…desmesurado orgullo” del protagonista, ni la pieza ejemplifica “…el enfrentamiento entre países dependientes y subdesarrollados y el imperialismo” (¡en 1905!). “Barranca abajo” es el canto del cisne de la reforma agraria de Artigas (1815), uno de cuyos donatarios debió ser el abuelo de don Zoilo. La distribución de tierras de Artigas fracasó en el Uruguay independiente: triunfaron todas las acciones reivindicatorias promovidas por los propietarios con títulos otorgados por la corona española, acciones que menciona por su nombre don Zoilo en la escena XXI del acto I. Como anarquista, Sánchez no podía sino admirar aquella reforma agraria, fundada en una expropiación sin pago. El problema social resultante fue de relieve. Hubo en el siglo XIX leyes de prórroga de los lanzamientos de los colonos, mediaciones del Estado uruguayo entre las partes y hasta resistencia a mano armada. Todo esto puede leerse en el libro de De la Torre, Rodríguez y Sala de Tourón “Artigas, tierra y revolución”, Ed. Arca, 1967. Hay en “Barranca abajo” dos tesis libertarias más. Don Zoilo abusó de su autoridad como pater familiae y malgastó la parte que le correspondía en la herencia paterna a su hermana Rudecinda, lo que confiesa y es una de los motivos de su suicidio. Pero la pieza incluye también la tesis del derecho a morir, que aparece en la escena final, cuando Aniceto pretende disuadir a don Zoilo de su propósito de suicidarse y luego acepta la decisión de su patrón, porque todo hombre tiene un derecho inalienable a disponer de su vida. _______________________________________________________ La incomprensión de Sánchez por la posteridad es más flagrante en “Los muertos”, pieza cuya tesis es mucho más explícita que la de “Barranca abajo”. Se la ha considerado una obra sobre el alcoholismo “… un dramón que explota todos los recursos de la sensiblería para mostrar la ruina de un hombre y su familia a causa del alcohol”. En realidad el propósito de la obra es ejemplificar dos tesis libertarias: una es el derecho a la libertad sexual de la mujer separada del marido, aunque no haya tramitado la “separación de cuerpos”; la otra, que aparece también en “En familia”, es el peligro de toda liberación por agentes externos. Julián, el amante de Amelia, es más autoritario machista y destructor que, Lisandro, el marido borracho. La protagonista de la obra es Amelia, que si logra liberarse del marido no supera la idea de la subordinación de la mujer al hombre. Al comienzo de la obra, Sánchez le confía la enunciación de sus ideas de libertad: “AMELIA. (a Lisandro) ¡Mátame!... Sería lo único que te quedara por hacer; completar la obra... ¡Estarías en tu derecho, desde que sos el marido!... A ustedes les permite todo la ley, la sociedad y… hasta la religión... ¡Mátame!... ¡Mátame! ¡y mátate!... Tal vez sea mejor!”.. Cuesta creer que se haya escrito que Sánchez se propuso en “Los muertos”, una obra sobre las consecuencias del abuso del alcohol, y no un manifiesto feminista, que es su verdadero propósito, una especie de “Declaración de Derechos” del erotismo femenino. A Sánchez no le interesan ni Lisandro ni su alcoholismo. Le interesa la tesis, inaceptable en su época, del derecho al sexo no matrimonial, inmediatamente después de la separación y siempre que hayan mediado verdad y sinceramiento, ¡ derecho que el Uruguay sólo concedió a los cónyuges el 27 de diciembre de 2007, por el artículo 22° de la ley 18.246! Pero Sánchez persiguió en “Los muertos” un segundo y más refinado propósito: denunciar a los siempre temibles redentores. Julián, el amante, no es para Amelia el amor, aunque tal vez sea el placer; y es evidente que Julián extrae más placer de pavonearse con una mujer hermosa y casada, que de su intimidad sexual con Amelia. En la primera escena Julián la inferioriza aludiendo groseramente a sus relaciones sexuales y aún haciéndola culpable de su seducción: “¡Jesús!... ¡Nunca te habré visto los brazos!...Vamos... ¡no seas pava!... Abrime pues... Se me ha antojado. Te alcancé a ver un poquito y... Bueno, vos tenés la culpa...Te pensás que impunemente se tienta la curiosidad de un hombre…” Más tarde Julián fuerza a Amelia a exhibirse con él en un café y llega al colmo cuando la obliga a llevarlo hasta la casa en que ella vive con su hijo. La frase final de Lisandro, que están todos muertos, es literal: Julián ha sido ultimado por Lisandro; la vida de Lisandro está perdida; Amelia murió también, porque no supo sobreponerse a la prepotencia masculina. ________________________________________________________ Cuando leemos que “En familia” “…corresponde a otra expresión costumbrista…. el envilecimiento del padre, que atrapado por la pasión del juego acaba en un estafador común, la frivolidad de las hijas siempre atentas a la ‘figuración social’, la abulia de Eduardo… la ineficacia de la madre, se suman en una firme línea descendente contra la que lucha y fracasa en sus propósitos generadores el ingenuo Damián”, o que “…El hijo” (Damián) “trae, al volver, un tesoro de bienestar y optimismo… Seguro, amoroso, paciente…” no podemos dar crédito a nuestros ojos. Una vez más el portaestandarte de Sánchez en la pieza es una mujer, Delfina, la esposa de Damián, que dice las únicas palabras sensatas: nada tiene que hacer Damián con aquella familia crapulosa. Pero Damián, que tiene algo del Grégers Werle de “El pato salvaje” de Ibsen, personaje cuyos ecos también resuenan en “El pasado”, es un autodesignado redentor. Quiere reformar a su imagen y semejanza a toda su familia. Quiere que trabajen sus hermanos ociosos; ellos le muestran el rostro en un espejo cuando lo rechazan; Damián aún quiere devolverle al padre la dignidad perdida. De ese ataque de omnipotencia megalomaníaca al minuto fatal de confiarle dinero a su progenitor no hubo más que un paso. Las palabras finales de Delfina son de Sánchez: “Sí, llora…¡Llora mucho, mi pobre Quijote!”. Don Quijote es un loco que también tiene la locura redentora: quiere liberar princesas y combatir gigantes. De paso, Sánchez ataca frontalmente la autoridad paterna, cosa que también sucede en “Canillita”, cuando, en una de las escenas más estremecedoras que haya escrito, el hijo derroca al padre y lo fuerza a presentarse preso en la comisaría, confesar su delito, ir a la cárcel. ___________________________________________________ Este ataque a las autoridades en general y en particular a la familia jurídica se manifiesta con su mayor intensidad en la lorquiana “Marta Gruni”, donde, como en “Yerma”, se justifica un crimen. Marcos, el hermano de Marta, se ha arrogado el papel del pater familiae soberano y con él la potestad de impedir el romance de Marta con un hombre casado, de otra clase social, que nunca se casará con ella. Por eso cuando Marcos mata al amante de Marta; ella mata a su hermano: Su última frase es “¡El mató a mi hombre y no tenía derecho! ________________________________________________________ Lo que se ha calificado de “...sainete colorido”, “Mano santa”, es, no diremos un panfleto, pero sí una cuchufleta antimarxista. Carlos tiene en su hogar “…en sitio de honor, un gran retrato de Carlos Marx y diversos cromos y alegorías socialistas” .La mujer de Carlos, María Luisa, quiere llevar a su madre enferma a un “Mano Santa”; Carlos se opone: “…impedir que se explote la ignorancia y la credulidad de la pobre gente también es socialismo…”; riñen, él, siermpre en nombre de la razón y el socialismo, le pega; la pareja, amaga separarse; se reconcilian. Carlos no sólo no debió golpear a su mujer: tampoco debió intentar imponerle sus ideas, ni siquiera en el caso en que es razonable su lucha contra la superstición y el engaño. Debió dejarla emanciparse por sí misma. La obra nos previene contra los “Mano Santa” sociales y políticos, contra la idolatría de maestros que se siguen sin crítica, como ha sucedido con Marx, que en la primera escena aparece como objeto de un culto no menos supersticioso que la fe en el “Mano santa”, tan al otro extremo del espectro. ________________________________________________________ “Nuestros hijos” ejemplifica una de las tesis preferidas del anarquismo: la inmoralidad del casamiento por “honor”, para adecentar una madre soltera: “La maternidad nunca es un delito. Si se infringe unas ley social, se ha cumplido la ley humana, que es la ley de las leyes”. Mecha suplica y se humilla ante Enrique, el padre del hijo que lleva en su seno; le ofrece un matrimonio formal, donde él no tendrá obligaciones; él se niega; andando el tiempo, Enrique la pide en matrimonio: Mecha lo rechaza. Ya. no lo ama; es inmoral una unión sin amor, como el matrimonio que le ofrece don Eloy a Jesusa, a la que sabe embarazada de Julio, en “M’hijo el dotor”.. ________________________________________________________ Florencio Sánchez concibió sus obras a partir de ideas que encarnó en personajes no sólo bien diseñados y verosímiles sino, sobre todo, portavoces de conflictos sociales y de consciencia. La imagen de un Sánchez improvisador que, intoxicado por una mezcla de alcohol y tabaco, escribe al dorso de formularios de telégrafo, es falsa y ha hecho demasiado daño. Ha dañado la memoria de Sánchez y el conocimiento de su obra, que merecían algo mejor, ha dañado al público, que lo desconoce, lo que es todavía peor. Hay que descartarla definitivamente.
Jorge Arias es crítico de teatro en exclusividad para el diario "La República", que ha autorizado esta publicación.
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Publicación de Perspectivas para un cuadro de Cremades y Montalbán-Kroebel
Perspectivas para un cuadro”, obra ganadora de la IX Edición del Premio “Alejandro Casona” que concede el Principado de Asturias, ha sido publicada por La Ratonera, publicación asturiana de teatro, en el número 32 de su colección. En el texto de Antonio Cremades y Pedro Montalbán-Kroebel, confluyen las historias de dos mujeres luchadoras. Por una parte, la del personaje bíblico Judit y la lucha de su pueblo contra el ejército invasor de Holofernes; por otra, la de la pintora italiana del siglo XVII Artemisia Gentileschi, y su lucha personal, contra la sociedad de su tiempo, tras haber sido violada. Ambas historias, que se acaban encontrando en el cuadro de Artemisia titulado "Judit decapitando a Holofernes", hablan de temas tan actuales como la guerra, la toma de conciencia, los límites de la libertad... Guillermo Heras, Director de la Muestra de Teatro de Autor Contemporáneo de Alicante, que ha prologado la edición lo ha calificado como “un texto dramático polémico y complejo (…) que no dejará indiferente a nadie en su lectura y un material para la escena lleno de sugerencias de todo tipo. Nos encontramos ante una dramaturgia a contracorriente, escrita con gran valentía y alejado de cualquier moda, (…) un buen texto literario, con un laberinto estructural seductor y un buen material para una puesta en escena.” Por su parte, el jurado que concedió el Premio Alejandro Casona destacó “la dramaturgia y los continuos guiños literarios y teatrales, la actualización y recuperación de una figura de las artes plásticas así como la fuerza dramática del personaje femenino de la obra” y “la multiplicidad de posibilidades escenográficas e interpretativas” de la obra premiada. “Perspectivas para un cuadro” es la segunda obra escrita conjuntamente entre Cremades y Montalbán-Kroebel, tras “Cuenta Atrás” que fue también fue galardonada –con el Premio Amiba de Teatro–. Ambos autores mantienen sus trayectorias individuales por separado pero no rehusan la escritura en colaboración pues consideran que es “una forma de llegar a puertos en los que nunca, por voluntad propia, nos hubiéramos detenido individualmente y comprobamos, con satisfacción, que el viaje, sin duda, merece la pena.” Pedidos: info@la-ratonera.net
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COSAS DE LA EDAD Obra original de JUAN SANTAMARÍA
COSAS DE LA EDAD, obra original de Juan Santamaría - Intérprete Juan Santamaría Sinopsis Obra de un ÚNICO personaje de 80 minutos de duración, sin descanso. El objetivo de la obra no es otro que positivar la visión que los “mayores” tienen de sí mismos. La dignidad es lo fundamental y esta obra quiere contribuir a ello. Que el personaje represente en el escenario las mismas problemáticas de “los mayores” (pensiones, salud, nietos, recuerdos, soledad e incluso la posibilidad de aparición del amor) puede alentar fácilmente el principio de “otra forma de ver las cosas”, o, al menos, la posibilidad de ello. El personaje RUSTICO LAFONTE, un jubilado de 65/70 años, ante una importante determinación que acaba de tomar, realiza un profundo repaso, principalmente divertido, a toda su vida pasada y analiza los principales y actuales aspectos sentimentales, familiares, profesionales, sociales, etc. Desde su inicio se crea una verdadera corriente de complicidad entre el público y el protagonista aparte de una fuerte intriga sobre su estado de salud. El desenlace es absolutamente sorpresivo. Sobre la obra: “COSAS DE LA EDAD” fue estrenada en el Teatro Municipal de Tres Cantos (Madrid), el 17 de abril del 2009. Posteriormente se ha representado en: Alba de Tormes y Peñaranda de Bracamonte (Salamanca), Arévalo (Ávila), Cercedilla (Madrid), durante 6 días en el Auditorium de Palma de Mallorca, en el Centro de Recuperación de disminuidos físicos de Salamanca y en el Teatro de La Alberca (Salamanca). Sobre el autor: Juan Santamaría nace en Palma de Mallorca (Islas Baleares) y pasados los treinta, en 1976, traslada su residencia a Madrid, donde acude a cursos de teatro en la Escuela de Pepe Franco y José Tamayo. También en ese año inicia sus actividades artísticas en Radio Nacional de España, Cadena SER, Estudios de doblaje (películas comerciales), RTVE (Presentación de programas y sonorizaciones de documentales). Es un hombre polifacético y multidisciplinar en su carrera artística y en su propia trayectoria personal. Su vida y su pasión por la interpretación se han hermanado durante casi veinte años con su labor de Empresario. Después de una larga trayectoria en teatro, cine y televisión, Juan Santamaría, se ha afincado ahora en Salamanca y ha decidido regresar a los escenarios como promotor de El Andamio Producciones Teatrales, S.L. Contacto / Más información: www.elandamioteatro.com
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ENRIQUE MANUEL LÓPEZ GÓMEZ OFRECE SU OBRA AL DESPERTAR DE UN SUEÑO Enrique Manuel López ha publicado en Internet su obra AL DESPERTAR DE UN SUEÑO. Conflicto: La existencia del amor. La trascendencia del alma humana, Contexto: Toda la obra transcurre en el universo. En un plano de existencia diferente al conocido El estilo literario de la obra se compone de dos partes; una escrita en prosa y otra escrita en verso libre. En algunos actos se dan las dos formas a la vez, téngase esto en cuenta. Aquellas escritas en verso guardan la estructura típica de estrofa, sin estar sujetas a métrica alguna pero deben ser recitadas de tal forma lírica. No incluyo referencias de ningún tipo sobre vestuario o atrezos de escena. Sinopsis La obra cuenta el final de la vida de Henry Cot, un anciano soñador de ochenta y cuatro años que al morir pasa a un plano de existencia espiritual (inmaterial), en el que deja su estado de hombre y pasa a ser un “alma” que ha olvidado momentáneamente todos sus recuerdos, y su sueño más preciado. Al comienzo de la historia una voz cuenta brevemente un hecho acontecido hace mucho tiempo, y que será el motivo central de la obra. Esta, continua con la aparición de Henry Cot, que viaja a través de la inmensidad del universo sin un rumbo aparente, con una memoria imprecisa, producto de la separación del cuerpo físico y el astral. En su camino se encontrará con Luz, un alma que acude a su encuentro y que le ayuda a recordar el motivo de su existencia. Para ello viajan juntos hasta la memoria universal, el lugar donde el cosmos conserva mediante sueños el principio y fin de todo, en su esencia más pura. En ella contemplarán la visión del sueño de un hombre, mostrando el final de su vida y de cómo vivió el conflicto que presenta la finitud mortal que hace mella en el ser humano, cuando este siente que por ella expira. La visión inspira en Henry una reflexión que le hace remembrar la verdadera esencia que compone su ser y que es sentido universal de un anhelo casi siempre incomprendido, el amor. Finalmente las almas descubren quiénes son y que las une. Se puede bajar libremente de: http://www.safecreative.org/work/1101258334769
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textos escénicos con bajada gratis de Ramón Griffero El dramaturgo y director chileno Ramón Griffero tiene disponibles en su Web textos escénicos con bajada gratis: Se puede acceder desde la siguiente dirección www.griffero.cl
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Soñadores y Estrellas, de PEPA SARSA, PUBLICADO EN LA BIBLIOTECA VIRTUAL CERVANTES
La Biblioteca Cervantes ha colgado en
Internet
Lo escribí -explica la autora- hace un tiempo y se puede descargar y leer gratuitamente. Es un ensayo con muchos toques de humor que abarca las diferentes etapas que atraviesa un texto teatral desde que se concibe en la mente del autor/a hasta que se realiza su última representación sobre el escenario, recorriendo así los diferentes procesos de creación; todo ello aderezado con más de 100 anécdotas desconocidas del mundo escénico que ilustran ese recorrido. También hay otros apartados dedicados al mundo del cine. Para ello realicé entrevistas con actores conocidos y menos conocidos con los que, a lo largo de mis treinta años de experiencia, he trabajado; consulté miles de páginas entre fotocopias, revistas descatalogadas y libros de otras épocas a lo largo de siete años. Y así surge “Soñadores y Estrellas” que quiere servir de homenaje al mundo del teatro presente y pasado y a todos los soñadores que han pertenecido a él. Se puede bajar desde la siguiente dirección: http://www.cervantesvirtual.com/FichaObra.html?Ref=35958&portal=177
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Objeto de Ardiente Deseo nueva obra de Rogelio Borra García “Objeto de Ardiente Deseo”, Comedia dramática sobre el complejo mecanismo de los sentimientos. Autor: Rogelio Borra García Cuatro amigos entrañables, que rondan los cuarenta, vuelven a encontrarse con la excusa de inaugurar una casa quinta. Rememoran las gloriosas épocas del secundario, hablan obsesivamente de sexo y se hacen trampas para no exteriorizar sus verdaderas emociones. Porque el encuentro tendrá otras aristas, ásperas y oscuras, que los enfrentará sin remedio a viejos fantasmas y miedos recientes. Personajes: 3 Femeninos, 4 Masculinos Disponible para su representación en Argentina, España y Latinoamérica. Solicite el libreto original: rborragarcia@yahoo.com.ar
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TEATRO PARA ESCOLARES, DE FERNANDO ALMENA, EN LA BIBLIOTECA VIRTUAL CERVANTES Como respuesta a numerosas personas que se han interesado en encontrar el libro TEATRO PARA ESCOLARES, de Fernando Almena, publicado por Editorial Everest y recientemente descatalogado, damos noticia de que este libro ha sido incorporado a las publicaciones por Internet de la Biblioteca Virtual Cervantes. Este libro, que fue incluido en 1988 por el Banco del Libro de Venezuela entre los mejores libros publicados en lengua española, ha servido durante años de guía para numerosos profesores, monitores y realizadores de teatro de niños. Lo componen 11 obras de teatro muy breves y abiertas para que sean representadas por niños a lo largo de la etapa escolar, y se adaptan progresivamente a las diferentes edades de dicha etapa. Dichas obras pretenden un doble objetivo: ser representadas directamente por los niños o servir de modelo al educador para escribir con ellos sus propias obras en clase. Asimismo, este libro estuvo incluido como material didáctico complementario en el curso El teatro como recurso educativo, de la Universidad Nacional de Educación a Distancia, UNED, dentro de sus cursos para Formación del Profesorado. Se puede descargar o consultar gratuitamente el libro en: http://www.cervantesvirtual.com/FichaObra.html?Ref=29790
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Teatro en Internet para niños, en la web de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía
En el X Salón Internacional del Libro Teatral, celebrado en Madrid del 25 al 28 de noviembre de 2009, dentro de las presentaciones de novedades editoriales, el Centro de Documentación de las Artes Escénicas de Andalucía, dependiente de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, dio a conocer su nueva Colección Teatro en Internet para niños. Asimismo, en este acto se hizo la presentación del nº 3, último publicado, titulado El rey del mundo lirundo, de Fernando Almena, cuya edición se realizó con ocasión de este X Salón. Con esta colección, de autores andaluces, la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía pretende aportar textos teatrales a todos los interesados por el teatro para niños: compañías, grupos, directores, profesores, centros escolares, etc. de todo el mundo, a través de Internet. Las obras se pueden descargar gratuitamente en: http://www.juntadeandalucia.es/cultura/cdaea/php/puTeatroInternetNinyos.php O bien: http://www.juntadeandalucia.es/cultura/cdaea y entrar en Publicaciones y, luego, a Teatro en Internet para niños.
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EL HOMBRE QUE NO VIO LA MAR, DE SALVADOR ENRÍQUEZ PUBLICADO EN "REVISTA DE FRONTERAS"
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Jean-Pierre Martínez, autor de teatro francés, ofrece sus obras
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RED MUNDIAL DE ESCRITORES EN ESPAÑOL: REMES Luis E. Prieto, Co-responsable general REMES y Director de Palabras Diversas, nos informa de un nuevo proyecto que acaba de comenzar y para el que pide colaboración, tanto informativa como participativa: RED MUNDIAL DE ESCRITORES EN ESPAÑOL: REMES. Se puede ver en http://www.redescritoresespa.com y conocer su filosofía y sus objetivos de lucha contra el anonimato y el plagio. Si deseas aparecer en el Directorio de Escritores en Español, mándanos tu ficha actualizada, y por favor siguiendo LAS INSTRUCCIONES DE “CÓMO PARTICIPAR” y la ficha ejemplo de la Web REMES. e-mail: directorio@redescritoresespa.com
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SI ERES AUTOR O EDITOR ASÓCIATE A CEDRO
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ASOCIACIÓN DE AUTORES DE TEATRO y BIBLIOTECA VIRTUAL CERVANTES
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BANCO DE TEXTOS TEATRALES EN LA FUNDACIÓN ROMEA
La Fundaciò Romea hizo pública una convocatoria para seleccionar textos teatrales con vistas a una futura producción. Hecha la selección y ante el gran número de originales recibidos, consideraron oportuno darlos a conocer por medio de Internet, lo que supone un medio de difusión y contacto importante para quienes desean dar a conocer sus textos y para quienes los buscan con el fin de poderlos producir. En lo que respecta al programa de soporte a nuestros autores -explican los responsables del proyecto- la Fundación Romea quisiera destacar la respuesta que tuvo la convocatoria realizada para constituir el Banco de Textos Teatrales. Recibimos, de todo el estado español, 370 textos de 192 escritores. Actualmente los textos se están revisando con la intención de que algunos de ellos puedan ser llevados a escena en el Teatro Villarroel. La buena acogida de esta propuesta ha motivado la puesta en marcha del Banco Virtual de Textos Teatrales a través de la página web de la Fundación Romea www.fundacioromea.com para que estos fondos puedan ser consultados por el público y los profesionales. Siguiendo en esta línea, hemos introducido en nuestra Web información sobre los autores y hemos puesto a disposición los textos de aquellos autores que así lo han autorizado.
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PÁGINA PERSONAL DE SALVADOR ENRÍQUEZ
En mi Web personal puedes encontrar información sobre mis obras teatrales, currículo, fotos, estrenos, premios (algunos hay) y sobre todo una sección con enlaces a diversos sitios relacionados con el teatro. Te sugiero visitar el apartado "ENLACES PARA BAJAR ALGUNAS DE MIS OBRAS" en la dirección: http://salvadorenriquez.galeon.com Sin no tienes tiempo o gana de navegar, puedes ir directamente al sitio en el que tienen la colección más competa de mis obras: Teatro en Miami www.teatroenmiami.com e ir a BIBLIOTECA. También puedes bajarlas de la Biblioteca Virtual Cervantes: http://bib.cervantesvirtual.com/portal/AAT/Enriquez/
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dejar algún comentario puedes usar el Libro de Visitas 
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Esta
sección queremos destinarla a informar directamente de los autores: de
los que ofrezcan sus obras por medio de Internet, de sitos que permitan
la "bajada" de obras teatrales (sean de pago o no) y otras
actividades desarrolladas por los autores teatrales en relación con sus
textos.
Magda
Ruggeri Marchetti
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Jorge
Arias - Crítico de La República (Uruguay)
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